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标题: 新世纪音乐 (New Age Music) [打印本页]
作者: thesunlover     时间: 2006-5-18 15:57     标题: 新世纪音乐 (New Age Music)

New Age 音乐之旅

第一站：德国


别的不说，仅一条“这里是新世纪音乐诞生与成长的地方”，就足以让德国成为我们心目中的“耶路撒冷”。难怪人家希特勒嚣张疯狂，德意志民族确实有足以自傲的天赋血统。几百年沉淀而成的理性和完美主义以及内敛自省的民族精神，融合了现代西方的个性色彩与解放风气，共同孕育了新世纪音乐的独特灵魂 — 创新独立而又洋溢着对世界无分彼此的关爱。   

这里让我简单的介绍一下新世纪音乐音乐的诞生过程。20世纪60年代末期，一些德国音乐家将电子合成器音响的概念融入原音演奏或即兴表演方式，由此启迪了许多新进音乐家运用更多元化的手法开拓新的领域。该时期的音乐己具备了新世纪音乐的发展雏形。到了70年代，在一群艺术家的不懈努力下。新世纪音乐得以正名，他们把这种既非流行、又非古典、具实验性质的乐风取名为New Age Instrument （新世纪音乐），它指的是一种“划时代、新世纪的音乐”。到了90年代，新世纪音乐音乐呈现出了更多样化的风貌。乐界已形成一股百家争鸣、各拥其妙的新势力。正因如此，时至今日，新世纪音乐已经不仅仅是一个单纯界定乐风区别的名词，更是象征着时代演进、精神内涵改良的世纪新风貌的代表体现。   

德国，这个人杰地灵的地方曾经诞生过无数载于史册的世界名人，如今也同样活跃着无数才华横溢的音乐家。或许你会说当今名扬四海的大名家们似乎多不在此，这大概与其深沉不爱张扬的民族性不无关系。德国享誉全球的音乐家大概只有唯一的一位 Michael Cretu（Enigma的灵魂人物），而他也同样是一个不喜俗世烦扰的隐士。尽管如此，那也丝毫不影响这里成为我心目中的音乐乐土。事实上你对新世纪音乐了解得越多，你越能发现藏龙卧虎的德国音乐家之魅力所在。也许正因为不着紧名气多大，他们才能潜心于音乐世界的美妙，才能创造出最鲜明动人的个人风彩。除了Enigma, 这里还有Ginkgo Garden, Oliver Shanti, Mars Lasar, Karunesh, Cusco, Aschera, Christopher Franke, Yara, Bella Sonus…… 这里有太多太多杰出的艺术家，而且每一位都是堪称独当一面的表表者。他们的音乐是属于世上每个人的，但同时又只独属于他们自己的。   

开一派之先河的 Enigma（谜、英格玛），是New Age发展历史上一座伟大的里程碑。摇滚、电子合成器、格林高利圣歌、地方民族音乐、哥特式的黑暗风格、浓厚的宗教与哲学意味，数种元素天衣无缝的创新结合堪称前无古人，对后来者的影响力和对新世纪音乐发展的贡献更是无法估量。即使有人认为Enigma江郎才尽作品一张不如一张，即使有无数向其模仿、学习、借鉴的后起之秀，即使其中还不乏Deep Forest, Gregorian, Era这种成了一派宗师的名家，但始终没有人敢扬言超越了Enigma，更没有人能完全摆脱Enigma潜移默化的影响。而且我个人认为Enigma并没有固步自封，他每次都在新专辑中抛弃已有的成就，转而探索不同以往的新风格。名成利就的他能特立独行的在自己的音乐路越走越远，这份勇气和执著就已值得我敬佩和尊重了。

以 Eddy F. Mueller 为灵魂人物的 Ginkgo Garden（银杏花园），是另一位大师级的艺术家。作为令我知晓何谓 New Age 的启蒙者，难免会让我的评价感情用事而有失客观。但是华丽恢宏而不过火流俗的电子音乐，对印度、日本和中国等东方音乐元素恰如其分的融合运用，将音乐和诗歌绘画艺术匠心独运的结合，这三个鲜明的特色的确令 Ginkgo Garden 在不同于 Enigma 的另一条路上达至了至今无人能及的高度。而每三年才出一张专辑的完美主义，不仅在一次体现了德国人特有的坚持和执著，更令 Ginkgo Garden 的4张专辑无一不是精品之作。

拥有吉普赛血统的 OliverShanti（奥立佛·香提）的生平充满了传奇色彩。他就像一位吉普赛的旅人一般，游历了大半个地球，将其所见所闻所思与世界各地的朋友们一起化为动听的音乐。作为 World Music（世界音乐）的翘楚，他就像一名巧手的裁缝，将世界各地的音乐风格在他手中纵横交融，编织成一幅又一幅美丽的织锦。在他的音乐世界中体现出的世界音乐，不仅是民风的形，更是东方和西方文化哲思的交汇。在他最著名的《太极》系列中反映出的他对中国文化的理解以及对中国音乐的运用，足以让一些有形无神的中国音乐人汗颜。

同样颇具传奇色彩的还有 Karunesh（梵语伟大的怜悯之意）。理工科出生的他在一场车祸之后徘徊生死边缘数天，这个转捩点改变了他的一生。经过在印度的一段游历学习以后，他决心抛弃已有职位去追寻自己心中的真正所想——音乐。这也是为什么他相当一部分音乐作品是充满了空灵催眠性质的冥想音乐的缘由，这类音乐的代表作就是《Zen Breakfast 道禅》。另一方面，民族乐风和电子音乐结合的世界音乐风格也是他所长，虽然这种风格并不少见，但是对电子和民族两种音乐元素的娴熟驾驭，令他的几张专辑都可称经典。

与上面几位都有所不同，出生于德国的 Mars Lasar 至小就随父母移居澳大利亚，阳光与海滩的澳洲风情使得 Mars Lasar 在德国人的特质之上又洋溢着澳大利亚的自由和热情。他的作品的最大特点之一就是常在一段基本旋律上反复变奏并衬托以丰富多彩的配器变化，呈现出像天使的羽翼一般层层叠叠的独特美感。他的早期作品电子味十足又富于幻想，因而赢得了“科幻派”的美誉。中期的两张作品——国家公园系列的《奥林匹克国家公园》与《蔚蓝色的梦》浪漫而温馨，最负盛名。最近他又涉足世界音乐的领域，代表作《Karma 因缘》是我认为2000年跨入新世纪以来最出色的新世纪音乐专辑之一。

最后不得不提的是 BSC Music。这是一间在德国土生土长的专营新世纪音乐的唱片公司。与世界级的 New World Music, Real Music两大龙头唱片公司不同，BSC Music的规模小得多，名气也小得多。不过客观地看，BSC依然有其有别于前两者的过人之处。New World以充满地方特色的世界音乐以及冥想音乐最为人知晓，Real Music则以休闲放松的轻音乐独步乐坛，而这三类音乐恰恰是市场最广为接受的。BSC却有其德国人的执著与坚持，它门下的音乐风格多而全，简直可以作为研究新世纪音乐的最佳素材，在这里主流与非主流的音乐都有其发展空间。这间公司不善哗众取宠，包装和封面也没有什么特别抢眼的地方，却最能体现音乐及其作者的特点和个性。旗下乐手大红大紫的屈指可数，但每一位的音乐都闪动着灵性的光辉。Ginkgo Garden, Bernward Koch（代表作《Flowing》）, Aschera（代表作《Whales Of Atlantis》）, Cusco（代表作《Apurimac》系列）等就是其中的表表者……他们的音乐未必是最好的，却都是独一无二的。在某些方面，我觉得BSC好像是一间大型的音乐学院更多于是一个商业机构。就连有位尚未曾出过任何专辑的新人“Rudy K”的几首处女作既然都能收录在BSC的公司精选集中。鼓励新人创作如此，只怕在哪儿都不多见。值得欣慰的是，他们的坚持和努力并没有白费，公司面向国际发行的精选系列《Tender Moments（Streicheleinheiten）》系列广受好评，其第1、2两集就是著名的“天堂鸟”和“月光仙子”两张天碟（在雅燃音乐广场上即有这个系列）。我从他们的音乐中可以清晰地听得出，他们并不是不在乎销量与名气，只是他们更乐意追求他们自己心中的音乐理想罢了。

附录：以下是文中涉及的音乐家和唱片公司的相关链接。我不过是起了抛砖引玉的作用，希望你们能借由对诸位音乐家的深入了解，找到自己喜欢的也适合自己的音乐。

Enigma：http://www.enigma.de   
http://www.enigmamusic.com
Oliver Shanti：http://www.sattva.com/english/artists/Oliver_Shanti_Family_and_Friends.php
Karunesh：http://www.realmusic.com/a_karuneshindex.htm   
Mars Lasar：http://www.marslasar.com
Christopher Franke：http://sonicimages.com   
BSC Music：http://www.bscmusic.com
Ginkgo Garden：http://www.ginkgo-garden.de
http://www.bscmusic.com/artists/artistinfo.php?artist=ginkgo   
Aschera：http://www.aschera.com  
http://www.bscmusic.com/artists/artistinfo.php?artist=aschera
Cusco：http://www.bscmusic.com/index.php?url=/bsc/artists/artistinfo.php&artist=cusco


第二站：希腊

这是一个古老的文明，但又不是像四大文明古国如同传说似的那种上古大国。它是现代文明的摇篮，如今你眼见的西方社会的科学、道德、社会、教育……这一切追根溯源都源自这个地处欧洲南部、地中海北岸的半岛小国。这儿曾经辉煌繁盛的文化，赋予这儿的人民与众不同的艺术特质。这里曾诞生过人类历史上空前绝后的伟人三师徒——苏格拉底、拍拉图、亚里十多德；而如今的New Age乐坛上也同样闪耀着“老中青”三颗不同年代不同风格却都一般夺目的明星—Vangelis, Yanni, Chris Spheeris。

Vangelis(范吉利斯)，一位堪称伟大的音乐家。他集创作，演奏和音乐制作于一身，是一个真正的音乐全才，被人们誉为“现代的瓦格纳”。早在1973年，电子音乐刚刚起步，大家就连New Age为何物都不甚明了之时，他已经用电子合成器开始了自己的音乐探索。他的许多史诗般的电子音乐作品和电影配乐皆深得乐迷们的钟爱，其中最知名的作品如1981年的《Chariots Of Fire(烈火战车)》，1983年的《Theme from Antarctica(南极物语)》，1992年的《1492～Conquest of Paradise(哥伦布传)》等等，都是享誉全球的巨作。其中烈火战车以及哥伦布传更都荣获当届的奥斯卡最佳配乐奖，确实实至名归。Vangelis的作品多达数十张，但他的性格与Micheal Cretu差不多，都喜欢过着近似隐居的生活，埋首于自己的音乐创作之中。所以他的名字可能很多人都并不熟悉，但他的作品从不曾耳闻的人我猜可能不多。事实上，他的许多音乐，比如以上的三大作、Pulstar(脉冲星)、喜马拉雅山等等，都曾被不计其数的影视作品甚至广告引用过。相信许多人听过他的专辑后可能都会发出恍然大悟的“哦！……” 。

Yanni (雅尼)，一个不仅在New Age乐界，甚至对于普通人都不会太陌生的名字。1997年那场空前的紫禁城音乐会，让无数老百姓们认识了这位胡子像鲁迅、头发像郑伊健的希腊帅哥绅士^-^，同时也第一次接触了这种称为新世纪音乐的奇妙新玩意儿。与Vangelis一样，Yanni也是个多产的天才音乐家。他1954年诞生于希腊的Kalamata(卡拉马塔)，高中后便前往美国Minnesota(明尼苏塔)大学进修心理学(?!)，后来自学键盘、作曲、制作，并加入Private Music，尽展其音乐天赋，一鸣惊人，是Private Music有史以来销量最好的艺人。整个80~90年代，他一直活跃不息，发行过超过30张专辑，而且全都水平不俗。在AMG All Music上，仅五星满分的专辑他就有两张，四星以上的更近十张。无论这个评分可信度如何，这个纪录都足以说明他在New Age界不可替代的重要地位。不仅如此，Yanni先后于英国皇家艾伯音乐厅(Royal Albert Hall)、雅典帕拉农神殿、埃及狮身人面像、印度泰姬陵、中国紫禁城等世界名胜古迹举办音乐会，这样的创举可说是绝无仅有的。洋溢着魅力和感染力的音乐，令无数人如痴如醉，充分领略到New Age的美妙。诚然，其中的音乐确实富于表演性质和商业气息而一直受到评论家们的诟病，不过对于如此大规模的音乐会而言，这也是完全无可厚非的，况且Yanni是第一个人能将New Age音乐用如此平易近人的形式带到普通人面前，对于New Age的推广普及地却起了不可估量的积极作用。最后告诉大家一个非常夸张的消息：早在14岁，Yanni就参加了希腊国家游泳队，更打破了自由泳的国家纪录，后来前赴美国明尼苏达大学学习，还学的是心理学呢。这位大叔还真是人不可貌相呀！

Chris Spheeris，浪漫而潇洒的绅士，英俊的面容后面是一位杰出的音乐作曲家和演奏家。从小多才多艺的他，八岁就能在画布上画抽象画，十一岁开始尝试写诗，十二岁便抱着他自己的吉他为其写歌，到了十五岁他开始将其诗作谱上曲韵后，正式开创了他的作曲生涯。后来在70年代末80年代初，他遇见了另一个吉他手Paul Voudouris，之后便开始学习其他的乐器，比如键盘和贝司等。1985年他和著名的哥伦比亚唱片公司签约，并推出了个人第一张专辑，并由此开始他的辉煌生涯。其实，Chris Spheeris已浸淫New Age乐界达十年之久，只因缺乏跨国唱片公司集团作有计划的密集宣传，才会在知名度上逊于其他音乐家。但就音乐的质感而言，他重现爱琴海滨历史氛围的功力可说无人能及。由于对宗教仪式特别感兴趣，他在旋律创作上受东正教、希腊民谣的影响极深。年轻时他尤其喜爱披头四、德彪西的音乐，大学时期远赴英国钻研哲学的经历更让他始终念念不忘希腊文化的根源，再加上嗜爱以旅行来观察欧洲各地的风土人情，也难怪他的专辑名称总是从探索人类心灵活动或怀想古文明风采的角度出发了。他轻车熟路的驾驭着希腊古典美态的音乐，同时给这种迷人的音乐灌入了各种世界音乐、古典音乐和民间音乐，从而产生了属于他自己的音乐，一片由吉他和钢琴为主乐器，以柔慢而稳定的节奏来演绎的浪漫，轻缓却没有丝毫拖沓和迷废的音乐空间。听他的音乐是一种休闲和回忆的享受，更给与我们一种的全新的安逸享受氛围！Chris Spheeris目前共推出过12张专辑，虽然数量难比前两位，但在AMG All Music上也获得了甚高的评价。

事实上，三位的音乐风格取向、取材各不相同，其实很难分出一个高低来。倘若非要说的话，Vangelis 本身也是个录音高手，又最擅长演绎气势磅礴的电影配乐，最适合那些耳朵刁钻的发烧友们，甚至可以用它来测试你的音响系统和房间的声学特性，你完全可以听到飘逸在房间的各种乐器所描绘出的完美音场。Yanni的创作其实并没有什么高深莫测的东西，只有最简单直接俘虏你的心的绝妙音乐，无论是旋律、乐器演奏技巧、编曲配器，全都是一等一。尤其是两场现场音乐专辑，我个人为是无可挑剔的完美绝品。当然还有许多人赞不绝口的处女作，也是AMG上的五星作品之一，只可惜我未曾听过，不敢妄下结论。Chris Spheeris 的音乐风格很丰富，轻快的、柔情的、神秘的一应俱全，其中他的吉他弹奏确实是娴熟精妙，难找匹敌之人。不过他的音乐也决不限于吉他而已，键盘乐一样很多，例如专辑、基本都可归属于世界音乐的范畴。

唯一可惜的是，我所知的希腊音乐家，也仅限于“老中青”这三位了，音乐公司方面也是一无所获。不过话说回来，贵精不贵多，能有如此三位独当一面的杰出人物，我看其他国家亦已经难望其项背了。当然，要是你还知道那些希腊籍或者希腊风格的音乐家，也恳请告知我，让我可以进一步补充。多谢各位！


第三站：英国

英国由大家熟知的英伦三岛组成。英格兰、威尔士、苏格兰、爱尔兰四大板块中，英格兰毋庸置疑是政治、经济和文化的中心。而且，这里也有两位世界级的大明星——Sarah Brightman & Gregorian Chants。

Sarah Brightman(莎拉·布莱曼)从小就立志成为一名著名的艺术家。在受到美国的现代歌剧大师 Andrew Lloyd Webber 的青睐，并成为其妻子后，她迅速成为歌剧界的知名红伶。可是她不甘心自己的努力和天分都被丈夫的名声所掩盖，被人误以为“妻凭夫贵”，因而毅然决定与韦伯和平离婚，并谋求自立发展。于是，她怀着创造自己的音乐的梦想离开自己的诞生地，一个人来到美国。她的决定果然是正确的，凭着自己天赋的钻石嗓子和超出常人的努力，她很快成为了古典和流行的跨界天后。她的专辑, , 全都成为叫好又叫座的全球大热唱片，其中, , 等数首曲子都已成为世界性的金曲和里程碑式的经典曲目。她翻唱的更被评价为有史以来最精彩的翻唱版本。毋庸置疑，她已经完成了她儿时的梦想，可是她依旧谦逊，依旧繁忙。她说：“我想写一部小说，我想要把现代音乐和古典音乐融合起来。但首先我不得不从头做起，有那么多我想要学的东西。不繁忙是不可想象的。”

Gregorian Chants(格林高利合唱团)是由12位浸淫于教堂音乐与合声风格，拥有深厚古典基础，并在英国伦敦乐界有一定地位的演唱家所组成。其制作人 Frank Peterson 曾是Enigma的一员，知名作品有很多：如 Enigma 的和，Sarah Brightman 的等等。正因如此，我们常常可以在他们的作品中听到与Enigma如出一辙的配器和编曲，而Sarah Brightman 更是数次在作品中献声，为专辑平添几分光彩。

莎拉与唱诗班作为英格兰传统音乐文化的代表人物是再适合不过了，可惜光芒再盛，毕竟只是两颗孤星自相辉映，哪能比的上群星璀璨？真要说到音乐的话，那么环顾英国疆土，苏格兰和爱尔兰才是当之无愧的众星的银河，音乐的天堂。不过这儿虽是当之无愧的音乐圣地，可是当我一旦试图描述时，却发觉甚难落笔。一来是Mew Age爱好者中爱尔兰中毒者实在不在小数，要是我写不好那可不是闹着玩的^-^ ；二来则是由于乐海茫茫，这儿的知名乐手或是优秀音乐也确实太多，一时不知从何入手。不过好歹大伙儿都已经启程了，那就“船到桥头自然直”，且让我由“头”道来吧：

尽管现在英国是世界大国，但事实上它的文明史其实很短。当古罗马帝国作为文明使者登上英伦三岛时，那儿的原居民也不过刚脱离茹毛饮血不久罢了。尤其是苏格兰和爱尔兰地处偏壤，自然条件恶劣，文明发展更是缓慢。仅从当时的爱尔兰原居民凯尔特人的英文“Celts”原意为石斧，也不难猜出他们当时的境况如何。而正是在这种山峦横亘、风雪封天的艰苦环境中，孕育了时而高亢热情，时而婉转悲切的音乐风格。而风笛、小提琴、鼓，三者则组成了音乐最重要的主导音色。后两者大家比较熟悉，这里只简略介绍一下风笛。风笛虽然属于木管乐器，但并不像长笛、双簧管之类需要人吹气奏响，而是利用一个气囊，向打气筒那样向管内鼓风而发声，人只需控制音高和通风量即可。因此，风笛演奏最大的特色就是完全不需换气歇息，可以奏出此起彼伏、连绵不绝的绝妙音色，恰如“二兰”辽阔无边的群山叠峦一般。真不愧是最具本地地域特色的乐器。

令我最早惊叹于风笛独特魅力的音乐作品是 James Horner 的。Horner 虽然并非苏格兰人，但他却对苏格兰音乐有一种难以割舍的执著热爱。从、、等电影作品中我们也可以感受到他洋溢的才华。当 Mel Gibson 饰演的 William Wallace 攀上群峰之巅，在庞大的交响乐团衬托之下，悠久绵长的风笛声高低回转时，我深深地被苏格兰人的民族气质所打动。我至今仍牢记着电影的最末一句话“They fought like warriors. They fought like Scotches. And they won their freedom!” 这句话他们当之无愧呢！

提到风笛，还有一位音乐家不能不提的，那就是 Hevia。不同于 Horner 是传统的民族风格，Hevia 的风笛更具备新世纪音乐的特质。风笛的特点在这里得到了最大程度的展现，每一个听过 Hevia 的作品的人都无法忘记他那标志性的演奏方式——急促跃动的32分音连绵不绝的蜂拥而出，让人瞬间淹没在好象无休无止的绝妙音符中。而融合了中亚、阿拉伯等异域风情的曲风又使风笛不再局限于爱尔兰的范畴，而开辟了一片更辽阔的发展空间。风笛在他手中已不再只是一件乐器，更是一件魔术师手中的魔法道具，由此变化出令人赞叹、惊讶、耳眩神迷的神奇魅力。

除了以上三种乐器以外，爱尔兰音乐还有两个同样不可或缺的组成部分——歌声与舞蹈。

Loreena McKennitt 素以其美妙如天籁的歌喉而闻名。这个加拿大裔的女歌手虽非爱尔兰人，但她将自己的音乐素养与爱尔兰民谣相融合，再拼贴组合成富于个人风格的音乐，在 New Age 界掀起了一股爱尔兰回归浪潮，人称“加拿大现象”。她从小接受严格的古典音乐训练，长达十年的钢琴以及五年的歌唱训练，是她的歌曲具备了新古典主义的内核，就连许多她的歌曲的歌词都是中世纪欧洲的古诗。她的声线又非常强烈的融合性，从古典到流行，从民歌到新世纪，她总能游刃有余、挥洒自如。

至于舞蹈，相信很多人也都曾耳闻目睹那享誉全球的踢踏舞。那么我们不能不知道的就是现在获誉为“最伟大的踢踏舞者”的 Michael Flatley。Michael 同样不是英国人，而是美国人。但是他凭借自己精湛的舞技实力，那令人咂舌的每分钟35下踢踏的世界纪录，成为有史以来第一个在英国“班门弄斧”表演踢踏舞还能赢得全场站立鼓掌的人，也由此成为当之无愧的踢踏舞王。在他和他的团员们的脚下，爱尔兰音乐中最热情奔放的一面得以淋漓尽致的表现出来，神乎其技的舞蹈配合酣畅飞扬的乐章，绽放着让人目眩神迷的魅力。

当然，爱尔兰音乐家中最为人熟知的，自然是 Secret Garden 神秘园和Enya 恩雅两位了。可以说他们为爱尔兰音乐的普及起了不可或缺的推广作用，要是没有他们，我想许多人可能至今还未必了解爱尔兰音乐是怎么回事呢。两者的音乐各有所长，神秘园是以钢琴和小提琴为主线，时而辅以人声或其他乐器，徐徐铺垫出一条绝美而感伤的音乐旅程；而恩雅则基本是以电子合成音色营造的梦幻美丽的背景来衬托自己的天籁歌喉，有时空灵飘逸有时温馨细腻。倘若要两者比个高下的话，在普罗大众中恩雅似乎更受欢迎，你看看 Billboard 上恩雅的现在还在Top 100就晓得了。不过我个人不太满意恩雅有点MIDI的配器，所以更偏好神秘园的原声乐器一些。不过时移事易，现在他们的作品确实都不比以前的巅峰水平，而且互相融合借鉴后，彼此的个性越来越少，听起来 好像越来越相似了。不过这也难免，本来他们也算是一家人嘛。而且既便如此，他们在New Age音乐界的地位我想仍然不会改变，他们依然是值得我们尊重欣赏的一流艺术家。

常听人赞誉爱尔兰说这儿是一个“诗成地平线”的音乐之乡，此言确实不假。这儿的土特产似乎就是音乐家，且不说有许多热爱爱尔兰文化而投身此处的外国音乐家，即便本地也数不胜数，诸如Matthew Lien, Ron Korb, Bill Wheland, Ronan Hardiman 等都是爱尔兰音乐文化的名家。我们再把眼光放远些，不仅局限于New Age范畴，更有The Cranberries, Emer Kenny, U2, Boyzone, The Corrs 等等。爱尔兰的音乐有时欢畅如歌舞，轻快如流水，有时又哀怨清醇如思念情人的少女。无论何时，都如那无尽大自然一样，摇曳生姿，令人如痴如醉。

不过凡是也都有两面，爱尔兰音乐虽然常被人推崇备至，但也不是没有缺点。至少在我看来，有一个足以致命的缺陷就是缺少求新求变的创新精神。当你听得多了，你自然就会发现，在多如辰星的美妙动人的仙乐之中，仿佛总有一种似曾相似的雷同感，不同的音乐家之间好像没有更多的个性和变化。若非很熟悉各个音乐家，随便给你一首歌曲，你甚至可能根本分辨不出这是谁的作品。正因如此，对于爱尔兰音乐，我始终只有品味，却不曾“中毒”。也因如此，英国才会比不上德国、日本和希腊的琳琅满目、多姿多彩，只能屈居音乐天堂之旅第四站。


第四站：日本

尽管有人不乐意承认，但是日本在 New Age 音乐上的巨大成就无可否认。喜多郎、神思者、久石让、菅野洋子，这四位是我自己心目中认为日本 New Age 界最璀璨夺目的四颗明星。而且他们有一个惊人的一致：他们都是闻名遐迩的配乐大师，而且他们最广为流传的也都是其配乐作品。不过有一点要声明的，日本人似乎没有太多 New Age 的概念，这四位都从未说过自己的音乐属于 New Age 或者别的什么类型。喜多郎和神思者也最多不过提过自己创作的是“灵性的”音乐；而后二者更始终游走于 New Age、流行、古典等诸多风格之间。不过只要你仔细听听他们的音乐，就能清楚感受到许多New Age音乐的特征，而且我个人人认为后二者博采广纳的风格特点更是前二者所不具备的。

若要我用一句话概括这四位大师，私以为“古今中外”恰好是一个绝配呢。

喜多郎的音乐无论何时都弥漫着时而古朴沧桑，时而粗犷宏壮的氛围。尽管他爱用电子配器来表现音乐，亦难掩其中蕴含的东方文化数千年沉淀的冥思与哲理。而神思者的两位创作者各擅古典与现代音乐，这两种音乐元素的调和交融，为其作品带入了清新独特的鲜明特征。这两者的作曲天赋无疑足以傲世乐坛，曾从其笔下流出的绝美旋律多不胜数，然而他们共同的一点不足就是编曲功力相比之下略逊一筹。即便其众多名曲中也常能发现“ABAB”这种略显平凡单调的曲式，喜多郎的<天与地>、<宋家皇朝>、<曼陀罗>、<古事记>等巨作的数首曲目中，其气势之磅礴、旋律之动人自然是毋庸置疑，可惜的是其编曲结构更是同出一辙，多少难免雷同之嫌。我个人认为，主旋律过多的重复正是两位音乐不能达至完美境界的最大障碍。

久石让和菅野洋子虽然名气不一定有前二者高，但在编曲上的丰富多变正是他俩在音乐上求新进取的体现，同时也是他们最大的长处之一。久石让的作曲本领自然毋庸置疑。作为号称“日本国民动画大师”宫崎骏的动画电影的御用配乐人，宫崎骏的动画电影王国绵延20余年至今，久石让的配乐水平却依然宝刀不老，每部作品皆令人拍案叫绝，最难的还是每次都有新的创意，才能经久不衰。久石让早年曾就读于日本国立音乐学院修习作曲。他良好的古典音乐根基，再吸收了现代流行歌曲以及日本民谣等众多精华，使其编曲得以自由挥洒，不拘一格。这么多年来的丰富经验积累更令他近年来的创作愈发成熟圆浑。譬如1999年的<幽灵公主>就有四张原声大碟——日本版、美国版、灵感创作版、交响乐版，而且每张都非凑数的商业制作，而是各有各的特色。交响乐版本将久石让深厚的古典乐功底展现得淋漓尽致，而灵感创作版加入的大量中日民乐器更是令人耳目一新。于其中演奏二胡的贾鹏芳后来更再次与久石让合作，亦即1998年日本长野残疾人奥运会的主题歌<起程之时>。由于久石让的作品有为数不少富有浓郁的亚洲风情，在港台剧中被引用的也不少，比如TVB96年的<天龙八部>就用过<幽灵公主>中男主角的主题配乐 。当然，那部戏里面其实喜多郎的<宋家王朝>引用得更多啦，几乎可以看成主导曲调来看待了。

相比之下，菅野洋子在 New Age 界的地位还要更低些。其实原因也很简单——因为几乎没什么人会把她纳入新世纪音乐的范畴嘛（除了我这个神经汉^-^）。不过换作在动漫界，那她可就真是无人不知无人不晓了。也难怪，她的作品中将近一半都是动漫画的配乐。这位年过四十的欧巴桑，毕业于日本早稻田音乐学院。正规的西洋音乐学习令她在作曲、配器，乃至编写交响乐、乐器演奏等各方面的音乐素质一应俱全，但同时又并未因而拘束了她在音乐上的视野。她的作品涉足的音乐类型绝对是多不胜数，有时曲子风格差异之大令你简直无法相信这是出自同一个人之手。因此，无论何种类型何种风格的影视作品，她都能谱写出珠联璧合的配乐佳作。

以下列举几个最知名的作品，你就会知道她绝非一个只会摆弄小孩子作品的等闲之辈。(注意其中不仅仅是动画哦！)： 早期电脑玩家无人不晓的KOEI游戏大作“大航海时代2”以及“信长的野望系列”；以流行歌曲为主又带有一点New Age色彩的“Macross Plus(超时空要塞)”；有日本的“龙枪编年史”之称、完全是欧洲中世纪风格的奇幻作品“罗德岛战记”；幻想传说式的“天空的艾斯嘉科尼”；磅礴悲壮的史诗战争故事“Turn A Gundam”；以交响乐为主的NHK纪录片“中国～十二亿人的改革开放”；还有曲风太繁杂根本没法分类的“Cowboy Bebop”……由她配乐的动画几乎涵盖了十多年来相当比重的重要作品。可以说，缺少了她的配乐，这些名作的魅力绝对会大打折扣。除了配乐之外，坂本真绫、新居昭乃等不少歌手的个人专辑也大多由菅野洋子一手包办。她也出过1张个人专辑，相对而言这些可以算是比较接近大家New Age口味的作品。这些专辑大体继承了她一贯配乐的风格——整体感觉仍然相当西化，但是曲子的具体风格跳跃很大，甚至还有不少带有蛮荒异域的神秘色彩的曲子。最后，事实胜于雄辩，永远是实际听过才知道到底实力如何。我还是那句话，最重要的只是欣赏音乐，所以也不要计较出处如何。以下就是我认为最值得一听的推荐曲目（其中Voices以及冰之砂的解压缩密码为：cartton.yilih.com）：

月之茧：http://202.109.114.171:8082/download/birdie/moon/track01.zip
Tank!：http://www.bb.cq.cn/comic/download/cowboy%20bebop/cowboy1_01.mp3
Voices (Forest Of Sky Version)：ftp://ftp.justcartoon.com/comics/xinju_1/xinju08.zip
中国～12亿人の改革开放Main Theme：ftp://ftp.justcartoon.com/comics/nhk_youko/01.zip
冰之砂：ftp://ftp.justcartoon.com/comics/xinju_1/xinju05.zip
大地礼赞：http://www.bb.cq.cn/comic/download/rod/rod2/rod2_02.mp3

当然，日本出色的音乐家绝不仅仅这么少，其他代表人物还有Cagnet(悠长假期、恋爱世纪、喜剧之王[就是周星驰的那部])、松植伸夫(最终幻想系列)、光田康典(异度装甲等许多著名游戏)、姬神、沟口肇(美丽人生、人狼)、小野丽莎等。奇怪，怎么大部分还是配乐专家？！日本音乐界还真是有特点。

最后，最值得一提的是Pacific Moon(和月)这家与BSC同样极具特色的New Age专营唱片公司。虽然旗下乐手单个来看大都没有太大的名气，但团结起来却是一股不可小觑的势力。尤其Pacific Moon的制作与日本民族一样严谨细致，非常具有整体性，而每张专辑都必以精炼之极又意味深远的单个汉字为名，这个可算是其最大特色之一。音乐风格基本以富有民族特色的世界音乐以及冥想音乐为主，非常具有个人风格，只可惜在国内很难找到他们的碟。

写着写着，好像成了长篇大论。真抱歉，一遇上好音乐，我就忍不住变得口若悬河似的。不过要说明一点，我对喜多郎和神思者才寥寥几句，而久石让和菅野洋子却说得很多，并不是我认为后者比较出色或者偏心。恰恰相反，我在一开始对四位的排名也就代表了我心目中他们音乐水平的顺序。只不过前两者太出名，大家也很熟悉；而后两位我想熟悉的人并不很多，尤其是菅野洋子，如此出色的音乐浪费了无异于暴殄天物，因此才竭力推销。那六首曲子出处、风格各不相同，但都是我认为很具有代表性的作品，月之茧我更是认为可臻完美之境，而大地礼赞则是其中最New Age的一首。大家全部听过以后应该也会对她的大体风格能了解一二。


(ZT from Afly's Blog www.playes.net)

作者: thesunlover     时间: 2006-5-18 16:22

新世纪音乐入门


作者：WAVOW


不知道您是否已经听腻了无病呻吟的流行音乐，是否已经对这种矫揉造作的表演感到厌倦。如果是这样的，那是否想过要换换口味呢。对您来说，新世纪音乐将是个不错的选择。

在这里将要介绍的是所谓的New Age Music，通常被译作新世纪音乐，也有译作新纪元音乐的，不知道对大家来说这算不算是个比较陌生的概念。其实New Age 音乐时常在我们的周围响起，现在越来越多的广告开始用New Age 作为背景音乐；很多电视片也倾向于用新世纪作为自己的结尾曲；各大商场也发现，用新世纪代替原先的流行音效果更好。如果再仔细寻找的话，就会发现原来这种音乐一直伴随着我们的成长，小时候喜欢看赵忠祥解说的《动物世界》，而对这片子的开始曲总是念念不忘，直到长大了才发现原来这就是正宗的新世纪，曲子名叫《Westay》，可以在《The Future Sound Of World》这张专辑中找到。顾名思义，新世纪音乐是个非常新的类别，关于她的起源众说纷纭，不过有一点是肯定的，这种音乐形式的出现不会早于70年代。那时候出版的牛津音乐词典也没有New Age这个条目。在1973年的旧金山，一群素昧平生的音乐家在某个音乐节上相会，这些人忽然发现虽然他们以前没交流过，可是互相之间的音乐却有很多共通之处。他们的音乐都是从冥思和心灵作为出发点而创作的，这种类型不同于以前的任何一种音乐，因此命名为New Age 。在这里还有个小典故，New Age 又指The Aquarian Age （宝瓶座时代），西方神秘学家认为人类正进入宝瓶座时代，象征了人类将从物质的追求过渡到自己内心的探索，虽然在物质方面人类有人种、肤色、语言、宗教信仰等等的不同，但人类的心灵深处都有一个共通点。正因为这一点，所有人都是同宗同源的，平等的。正如Secret Garden的主创罗夫兰（Loveland）所说：每个人的心中都有一座神秘园。你可以在这里寻求慰籍。当你一个人静下心来聆听《Song From A Secret Garden》，就会知道此言不虚了。

粗听上去，新世纪音乐介于古典乐和轻音乐之间，但新世纪更富于变幻，因为她并不是单指一个类别而是指一个范畴，她包括了几乎所有不同以往，象征着时代更替，诠释精神内涵之改良的音乐。因此，你会发现能被称为新世纪的音乐是如此丰富，一切自然界的声音都可能出现在音乐中，所有种类的乐器在此一视同仁，其中的人声更是丰富，从歌唱家到土著乐手，一切都是那么自然。

就一般而言，新世纪还是有其特点的：

其一，新世纪音乐很少有强烈的节奏（但ENIGMA的音乐却有很明显的节奏），这点同饶舌和摇滚形成了鲜明的对比，后两者几乎通篇就是各种打击乐，除了节奏还是节奏。对于新世纪而言，有了节奏就可能受限制。 　

其二，新世纪的旋律感常常很少。这点不同于流行乐，流行乐需要优美易记的旋律，以便于让每个人都能唱。有时候听了好几遍某首新世纪乐曲，还是记不住她的旋律，这便是新世纪赋予大家极大想像空间的原因了。

其三，新世纪音乐总是避免使用刺耳与急促的声音，因为这会增加音乐的压力，从而破坏聆听者的感觉。

其四，新世纪音乐的基础是是合音与和谐音，她摒弃了爵士和摇滚的发声方式，因为这会带来不和谐与不悦耳的感觉。

在80年代中期新世纪已经逐渐成熟，杂志开始设立新世纪榜单。1986年举办的第29届葛莱美奖的奖项中，也增设了[年度最佳新世纪唱片]的奖项，第一个获得这个奖项的是演奏竖琴的奥地利籍音乐家：佛伦怀德。这算是New Age首度明确地成为音乐类别之一的标志。下面就介绍一下对于中国乐迷来说比较熟悉的几个新世纪大师。

初步了解了New age的有关知识后，下面继续我们New age音乐之旅。这次我们要去各大新世纪音乐名家的家里去做客，挨家挨户的认认门，先混个脸熟吧，再和他们过过招（哈，别扔鸡蛋～～）。让我们从他们不同的音乐风格中去领略一下各位大师们的风采吧。


【Enya 恩雅】

首先介绍恩雅，是因为在New Age人物中她具有的影响力是极大的，毕竟喜欢新世纪的人不算很多，而恩雅的知名度却一点都不亚于那些流行歌手。'93、'95两次拿到葛莱美奖的New Age 专辑冠军。被称为 New Age 音乐之后。

恩雅的真名是Eithne Ni Bhraonain，后来改叫Enya。用这个发音近似的字代替，既可以让人很容易就记住她，又避免了发音问题。

恩雅1962年出生于Donegal郡的Gweedore，她是六个孩子中最小的。十八岁时她加入她的哥哥姐姐，成为著名的乐队Clannad的歌手和键 盘乐器演奏者。

需要注意的是，在恩雅背后还有制作兼编曲Nicky Ryan、填词者Roma Ryan的合作，这三人缺一不可。在恩雅二十岁时，Nicky 和Roma Ryan夫妇——制作人、词作者、经理人——将这位富有天赋的音乐家置于他们的庇护下。六年来他们以恩雅的风格作为基础一起创作着。多年来Roma一直在 收集各种日记，随笔，诗歌，故事。现在她将这些作了改变，使之成为恩雅的歌词。歌词主要涉及古老的赞美诗，神话，精灵，天使，传说中的人物，同时也涉及信 仰，希望，鼓励以及一些新奇的领域。“在我的歌曲中我可以去我想去的任何地方，我可以自由的飞翔，漂浮，游动。Roma的歌词给了我这种美妙的可能性。”

事实上，恩雅不会游泳。她喜欢在都柏林附近的山中漫步。“我经常工作很长时间，有时工作到很晚，我几乎迷失在工作中。” 这个大自然的忠实热爱者的带有灵气的音乐有时被人们笑称为“新时代产物”或者被划入“民间音乐”。这使创作者不是十分开心。“我的音乐属于各个领域，它可 以是新时代的，古典的，流行的。我不认为我的音乐可以简单的划入某个范围，我的音乐是独特的，它就是它。 恩雅的独特的音乐为她带来的物质成果是可观的。恩雅由此获得了两座别墅，工作室，以及一些马匹。恩雅很少看书，她只听她自己的音乐，她既没有丈夫也没有男 友。她的一生似乎只为音乐。“音乐带给我无穷的快乐。”

另一点值得一提的是，恩雅从来不开个人演唱会，由此可见要是没有一个专门的小组负责处理恩雅的声音，她想获得今天的成绩也是不可能的。

1986年BBC电视台开始制作一部关于凯尔特人历史和文化的记录片，Enya签约创作并演奏该纪录片的音乐。1987年凯尔特人（The_Celts）首 次播出，它的音乐集以名为恩雅的专辑发行，但她的这首张专辑并未引起注意。在1988年发行的水印（WaterMark）一炮走红,其中的单曲《Orinoco Flow》蝉联了多个国家排行榜的首位。接下来的《Shepherd Moons》惊人地缔造了全球11000000张的销售量，并获得了格莱梅最佳新世纪专辑奖，她的另一张专辑《The Memory Of Trees》也获得此殊荣。恩雅高雅的举止就象从童话故事中走出来的小 公主似的。她穿着天鹅绒的晚礼服，话语温柔的说着带给她创作新专辑The Memory of Trees的灵感。

对于想了解恩雅的朋友，可以关注这三张专辑：1997年的《Paint the Sky with Stars》 ，这是一张精选集收录了在此以前的所有好歌；2000年的《A day without rain》，这是她最近的一张专辑，风格同以前完全一样；2001年的《The Lord of The Rings》电影原声，主题曲《May It Be》便是恩雅所唱，虽说只有一首而已，但她在歌坛的地位可见一斑。


【Secret Garden 神秘园】

对中国乐迷来说，神秘园是另一个耳熟能详的名字。是一支著名的新世纪音乐风格的乐队，它由挪威作曲家兼键盘手罗尔夫. 劳弗兰和爱尔兰女小提琴手菲奥诺拉. 雪莉组成。在神秘园的官方主页，可以看到如下这段话：Once upon a time .. a Rolf met a Fionnuala... and they made magical music together。这句话便是对他们两人最精辟的介绍了。

Rolf Lovland(罗尔夫. 劳弗兰):出生于挪威南部的Kristiansand。他9岁时就组建了乐队，并开始尝试作曲。他是乐队的作曲、制作人和键盘手。

Fionnuala Sherry(菲奥诺拉. 雪莉):出生于爱尔兰Kildare的小镇Naas。她成长于一个音乐家庭，很小就开始学习音乐。她是乐队的小提琴手。

1994年，他们在欧洲歌唱大赛中初次相遇，那时劳弗兰已是知名的词曲作家,由于对音乐有着难以想象的相同的理解，他们走到了一起。1995年，他们凭一首探路之作《夜曲》（《Nocturne》）获得1995年的欧洲电视歌曲创作比赛大奖，从此成名。夜曲的歌词才24个字，可以说是纯粹的器乐乐曲，而欧洲电视歌曲比赛从来没有这种音乐获奖的先例，因此有人说神秘园重新定义了这个比赛。

1996年4月推出首张专辑《来自神秘园的歌》大获成功，影响遍及世界各地。乐队的主要风格是溶合了爱尔兰空灵飘渺的乐风，挪威民族音乐及古典音乐，乐曲恬静深远，自然流畅，使人不知不觉便已溶入其中。除了劳弗兰极具想象力的 作曲和编曲，雪莉灵气十足的小提琴演奏也是十分值得一提，在成立乐队之前，雪莉还曾为爱尔兰著名歌手谢妮.奥康娜和范.莫尼森的专辑作过伴奏。 他们合作创造的新世纪音乐(New Age Music)，为苦闷的人生带来希望，填补了空虚的心灵。以该为主打曲灌成的第一张C D令人耳目一新，也赋予新世纪音乐持久的生命力。以往，新世纪音乐多是昙花一现就消逝，但这张CD竟能长期留在CD排行榜上，面世一年多，就卖了 近七十万张；跟着第二张CD也同样受欢迎，不仅获得欧美乐迷好评，中国的乐迷对他们的音乐更为喜爱，在上海和北京的演出，反应之热烈比得上天皇巨星。

到目前为止，神秘园一共出了四张专辑：《Songs From A Secret Garden》、《White Stones》、《Dawn Of A New Century》、和最新的《Once In A Red Moon》。因为数量不多，如果感兴趣很容易就能收齐。


【Enigma 谜】

Enigma！谜一般的音乐……
Enigma！一种难以形容的声音……
Enigma！带来令人神往的意境与旋律……

这是一支来自德国的乐队，以其神秘主义风格吸引了无数乐迷。或多或少你都应该有所耳闻。他们是早期准许引进大陆的国外音乐之一。

这位躲藏在“谜”背后的男人叫Michael Cretu,是个天才的音乐家和制作人。在过去的8年中，Cretu一直在西班牙的伊维萨特岛上过着与世隔绝的生活，但他却与合作者兼歌手Sandra(桑德拉，他的夫人)创造了一个流行音乐的新时代.在其他的商业性宣传中，你实在难以找出用英语、法语、拉丁语交融的格里利圣歌、超现实主义的笛声、女人的呼吸声、以及永远无法琢磨到的音源。“Enigma”的另外一个主角，Cretu的夫人Sandra，在所有“Enigma”的唱片中的女声演唱都是由她来完成。

1990年德国音乐制作人MichaelCretu以Enigma之名发行了第一首单曲《Sadness Part One》。这首乐曲在23个国家登上了排行榜首位，并在美国Billboard专辑榜上停留了长达五年之久。

Enigma源自于希腊文，英语解释为“谜，不可思议的东西”，因此很多国内听众甚至媒体将Enigma称之为“谜乐团”或者“英格玛乐团”。其实这个称谓并不确切，Enigma只是一个“project studio（策划制作组）”，而非由若干固定演唱成员组成的乐团。

NewAge音乐爱好者都应该非常熟悉 “Enigma”这个标志性的音乐品牌，但大多数听众却很难对Enigma的音乐轻易地来一次概括或者下一个确切的定义。或许另外还有一些朋友并不知道 Enigma是何方神圣，不了解他们的风格，但是一旦属于Enigma的熟悉旋律响起，您一定会有似曾相识的感觉。

那么Enigma究竟是一种怎样的音乐呢？虽然我们习惯并笼统地将之归入“NewAge”，但却很难描述Enigma的独到特色。制作人Michael Cretu曾经道出过其中的玄机，事实上Michael Cretu一直想走出欧洲传统流行音乐的束缚，他所钟爱的音乐风格偏向于Pink Floyd和Yes，但这类非主流音乐类型在日益商业化的市场中已经越来越难听得到。

Michael Cretu便开始朝着自己理想的王国迈进，自己写作，并且在不少作品中动用了两种非常奇特而且不为世人熟知的声音——秘鲁风格的排萧和由修道士演唱的类似 格里高里圣歌风格的旋律，编曲上再衬以洒脱、懒散的Disco节奏，由此构成了Enigma极富个性的基本框架。神秘主义的主题用现代电子乐来表现，使人产生一种时空交错的奇妙感觉。其中的人声也非常美 妙：女声亮丽动人，如夜莺一般悦耳；男声低沉隐约，令人着迷。乐队的音乐取材也非常广泛，源于世界各地。因此在Michael Cretu所营造的独特音乐世界中，我们即可以隐约感受到古典严肃音乐的影子，又可以直接感受到通俗流行的电子配器；能听到最悠远的少数民族部落自由而悠 长的吟唱，又能够欣赏到教堂唱诗班庄严而宏大的和声。也因为这些，Michael Cretu拒绝掌声和荣誉以及别人给Enigma“定制”的风格上的定义。


【Deep Forest 森林物语】

被称为世界音乐头号乐团的森林物语(Deep Forest) 1992年由Dan Lacksman,Eric Mouquest以及Michel Sanchez三位音乐家创建于法国。 其中Dan Lacksman是制作人，后两位担当演奏重任。Dan Lacksman是比利时人，生于1950年。他从1969年起在比利时布鲁塞尔担任录音工程师，1970年开始运用合成音乐器材制作歌曲。1979年， 制作Marc Moulin LIO的专辑，创下数百万张的销售量。其后又曾为Thomas Dolby, Sparks及Yellow Magic Orchestra制作专辑而名噪一时。1980年，他成立自己的音乐公司，到1993年，制作了Deep Forest第一张同名专辑，在世界各地创下惊人销售数字。到现在为止，Dan-Lacksman仍然执着的将他专业的技术与观念，不断地为音乐注入新生 命。而Michel Sanchez及Eric Mouquet则是在联合国科教组织的全力支持下，深入非洲中部的雨林地带，以简单的录音器材将扎伊尔、喀麦隆及中非共和国矮人部落等地的传统民谣记录下 来，再以现代化的电子合马乐器掺进现代音乐的质感制作而成。身为世界音乐的先驱，融合了现代电子键盘乐器、各民族传统音乐以及自己的创作，Deep Forest俨然已为世界音乐界最具代表性的顶尖领导团体。

Enigma的和Deep Forest的，可谓廿世纪末世界音乐的两大最著名代表作：同样都曾采用过****原住民民谣做为音乐取样素材的这两支乐团，又以Deep Forest同时在市场及乐评间所获之好评更胜一筹。Deep Forest不仅以各张专辑在英、美、法多国创下金唱片与白金唱片的销售纪录，更获葛莱美与MTV音乐奖等单位之四项奖座的提名肯定，并曾荣获葛莱美奖“最佳世界音乐专辑”大奖。原本Deep Forest的成立，就是要深入发掘埋藏在全世界角落里的声音，因此他们花费了极大的心力，在这将近十年的乐坛岁月里，Deep Forest走访了非洲、亚洲、中南美洲等十数个未受现代文明污染的地区采集有声样本，将之吸收融合加入强劲有力的流行及舞曲节奏中，以他们自己独特的音乐语汇，将古今东西不同文化相互沟通串联。

Deep Forest 在1992年初以首张同名专辑中的梦幻雅致旋律单曲《Sweet Lullaby》进驻英国金榜TOP 10；1995年专辑《Bohème》中的一首《Marta's Song》更将台湾雅美族原始部落歌声引荐到全世界，此段音乐也被劳勃阿特曼执导的电影《云裳风暴》(Ready To Wear)用作其中的主题曲。1998年的作品《Comparsa》一改以前的神秘风格，转而沉浸在欢愉的嘉年华气氛中；2002年度大碟《Music Detected》以亚洲民族戏曲为主轴展开摇滚、迷幻色彩的部落寻根之旅，以SWATCH广告曲《Snow In Sahara》走红全球的女歌手Anggun以平和与哀伤的歌声为《Deep Blue Sea》进行了一场极具个性化的演绎。


【S.E.N.S. 神思者】

从我们论坛专门设有神思者频道，就可以看出这个乐队的优秀程度了。在这里呢，我只想大概介绍一下吧，感兴趣的朋友可以访问我们的神思者频道详细了解和欣赏。

S.E.N.S.是来自日本的一队擅长电子音乐的两人团体，其两位成员分别是深浦昭彦和腾木由加莉。乐队原名“SENSITIVITY PROJECT”(感性企划室)，成立于1984年。他们因为在1988年日本NHK制作的记录片《丝路系列》的《海上丝路》中担任作曲、编曲与演奏的工作而声名大噪。而之后，为了让乐迷们能够因为《海上丝路》配乐三部曲(分别为《海神》、《伽罗》、《茶之圆舞曲》)，更加深对他们的印象，才改名为融合了“SENSE”(感性)和“CENSE”(焚香)两种意义的“S.E.N.S.”，再之后就是1989年凭《悲情城市》获得金狮奖最佳杰作奖和《爱情白皮书》等一系列日剧佳作了。

他们是文学家。旋律如诗、如散文、如歌咏，文雅隽永，焕发美的气息。一个是玩摇滚出身，一个是音乐学院毕业，两个音乐路线相悖的人结合在一起，已经是不可思议。他们的音乐却因此时而温柔，时而奔放，更显和谐的奇妙。

他们是画家。纪录片也好，电影也好，电视剧也好，他们总能顺着剧情和画面，寻找最贴切的音乐风格。于是乎，一部有一部的经典配乐从他们笔下诞生：海上丝 绸之路三部曲、故宫三部曲、悲情城市，更有数不清的日剧。听着音乐，曾经看过的感人画面却自然而然的浮现眼前。即便不曾看过的，似乎也能从音符的跌宕中， 想象出剧中人的悲欢离合。配乐精湛若斯，我以为已经不该再用“配”这个字了。神思者的确无愧于“日剧配乐之王”的美誉!


【Yanni 雅尼】

雅尼，全球闻名的演奏家、作曲家，两度被格莱美奖提名，其作品在过去十年中一直是奥林匹克运动会广播音乐的最爱。在连续完成了雅典卫城，中国紫禁城，印度泰姬陵音乐会后，终于推出了最新专辑“IF I COULD TELL YOU” — 一次直击心灵的音乐旅程。

雅尼（Yanni），1954年生于希腊卡拉玛塔的一个风景独特的海滨村庄，五岁时就发现了自己的音乐才能。少时因为家境不好，无法受到正规有序的音乐教育，但这并不能抑制他与生俱来的音乐天赋的成长。他可以不需要任何谱子而仅凭超人的记忆，准确地记下听过的任何音乐中的每一个音符。

人们把雅尼（Yanni）称作是一个用音乐讲述生活的人。从他的身上可以感到古老希腊的浪漫诗意与年轻美国的奔放现代的融合。Yanni 的作品将高雅的古典交响乐与绚丽的现代电声乐巧妙地结合起来。他曾说过：“我的目标是用感情与人们沟通，我捕捉到了生活的感受并把它溶于音乐之中，音乐将会给听众带来希望的撞击。”

雅尼对音乐始终保持着无限的热情。“音乐是一种难以形容的语言－－它越过了正常的逻辑思维，直接向人们的心灵倾诉。因此我不喜欢在我的作品中加入明确的唱词。对我而言，必须考虑的事就是忠实于情感。我尽全力去表现事实。我要传达的是我的生活感受和那些对我非常重要的事物。”

雅尼曾为许多广告、电视片制作配乐（完美的爱人）《I Love You Perfect》是1989年美国电视网电视长片，雅尼承袭他一贯的清新风格，为整部电视片营造出浪漫动人，宽阔自由又略带伤感的乐风，完美呈现出剧情的 情境转折及剧中人物的悲喜心绪。他擅长用电子合成技术将古典音乐以现代人的视角做重新诠释。在繁忙喧闹的快节奏生活之中，偷得半日闲来聆听Yanni的音 乐， 也许可以找寻到一份久违了的轻松和休闲。作为一个拥有独特创作方式的音乐人，Yanni 不愿被纳入任何流派，他独创着一般魅力独具的音乐潮流。

雅尼现在颇遭人非议，指责他的音乐商业味太浓。但不管怎么说，作为当今世界上最有影响力的电子乐队的指挥，雅尼所取得的成绩是与他的辛勤汗水分不开的，还在美国读大学时，雅尼就曾接触过电子合成器，后来还与当时最出色的一些电子音乐大师切磋过，如让•米歇尔、雅尔、范吉利斯、皮埃尔、阿达尼等，积累了不少经验，将这些前辈的艺术提高到了一个更完美的境地。

其主要专辑为：“雅典卫城音乐会”、“印度泰姬陵音乐会”、“北京紫禁城音乐会”三部曲，包括“Tribute”，“Southern Exposure”，Nightingale ”等。


【Vangelis 范吉利斯】

一位堪称伟大的音乐家。这位被称为「电子乐界的柴可夫斯基」的音乐巨人，他集创 作，演奏和音乐制作于一身，是一个真正的音乐全才，又被人们誉为“现代的瓦格纳”。不仅曾经创作出具有划时代意义的电影配乐「火战车」，半个世纪以来三十几张畅销的音乐专辑，更开启近代电子音乐的新视野，引领未来音乐的新发展。

范吉利斯(Vangelis)本名Evangelos Odyssey Papathanassiou，1943年3月29日出生于希腊，几乎没有受过任何音乐教育的他，4岁便能演奏钢琴，6岁举行个人作品发表会，可谓真正的音乐天才。

范吉利斯年轻时期接受摇滚音乐洗礼，学生时期自组的乐团「Forminx」不仅是’60年代希腊最受欢迎的音乐团体，范吉利斯更是将近代流行音乐带进希腊的第一人。而为了寻找更宽广的音乐空间，25岁的范吉利斯前往巴黎发展，他自组的「爱神之子合唱团」(Aphrodite's Child)红遍整个欧洲，也成功开发了前卫摇滚乐的新方向。’

早在1973年，电子音乐刚刚起步，大家就连Newage为何物都不甚明 了之时，他已经用电子合成器开始了自己的音乐探索。范吉利斯全心投入电子音乐创作，并转往伦敦为电影制作配乐，开启他辉煌的电影配乐时代，他的许多史诗般的电子音乐作品和电影配乐皆深得乐迷们的钟爱，其中包括1981年荣获奥斯卡金像奖最佳配乐的「火战车」、1982年的「银翼杀手」、1983年的「南极物语」、1992年的「1492征服天堂」等重要作品，范吉利斯开创了电子音乐与电影配乐的崭新前景，奠定了所谓未来太空音乐的发展，可谓居功厥伟。

Vangelis的 作品多达数十张，但他的性格与Micheal Cretu差不多，都喜欢过着近似隐居的生活，埋首于自己的音乐创作之中。所以他的名字可能很多人都并不熟悉，但他的作品从不曾耳闻的人我猜可能不多。事 实上，他的许多音乐，比如以上的三大作、Pulstar(脉冲星)、喜马拉雅山等等，都曾被不计其数的影视作品甚至广告引用过，中央电视台的广告经常引用他的“征服天堂”。相信许多人听过他的专辑后 可能都会发出恍然大悟的“哦！

2001年6月28日在雅典宙斯神殿举办的21世纪第一个最伟大的音乐会，演出曲目便是范吉利斯的合唱交响曲《Mythodia》，这场由希腊文化部长亲自宣布的音乐会，是由世界知名的两大黑人女高音洁西.诺曼、凯萨琳.芭托担纲演唱、伦敦大都会管弦乐团伴奏，另外还有120人编制的希腊国家歌剧合唱团、以及20位打击乐名家共同演出，而范吉利斯则将亲自担任电子键盘的主奏。这项最引人注目的音乐会，不仅透过电视实况转播传送到全世界，美国太空总署(NASA)并将这部世纪钜作带上外层空间，成为2001年火星计划的代表音乐！

也许正是因为范吉利斯的无师自通，他的音乐具有独特的无法复制性，他以键盘音乐为基础，巧妙融合古典、流行、电子、new age等音乐元素，发展出绵密的管弦乐法以及崭新的电子音乐语法，而他身兼作曲、编曲、制作的能力，更完整地呈现他的音乐理念，从早期古典乐器到后来的新电子音乐，在范吉利斯手中诞生出崭新的表现方式，成为一种未来感十足的新音乐。范吉利斯的成就，不仅反应在全球的唱片销售数字以及无数的得奖纪录，国际天文联盟更决定将新发现的「6354号星云」正式定名为「Vangelis」，藉以向这位音乐大师致敬。


【MatthewLien 马修连恩】

在*近北极圈的酷寒地带，那是一片长年被白雪覆盖，冬天太阳不会升到地平线上，夏天太阳不会沉落的奇异地方，那里是能耐严峻自然条件动物~驯鹿、狼、灰熊的保护区。这样一个一般人可能终其一生都不会到过的地方，却吸引了一个人越过加拿大大半个版图，选择居住那里。并且时常跋涉千里，四处旅行，足迹遍及这块处女地的任何角落。他赞叹大自然的鬼斧神工，他迷醉的聆听旷野中的声音，他爱怜的注视着野地里的动物，他恭敬的追溯原住民的过往，野地里的生灵在他心中累积成澎湃的旋律，倾注成一首首动人心弦的乐曲！这个人就是马修连恩。

1965年5月 10日，美国南加州圣地亚哥，MatthewLien呱呱落地。小Matthew是家中的第二个孩子，他还有一个姐姐。Matthew5岁时父母离异， Matthew和姐姐一起跟着母亲生活。虽然家境不富裕，母亲却执意要培养小Matthew的音乐才能———她为儿子买了一架钢琴，从此把音乐带进 Matthew的人生。

母亲的培育让Matthew逐渐掌握音乐技能，而父亲却影响了Matthew以后的音乐方向。和妻子离婚后，Matthew的父亲 便一人住到了加拿大的育空地区。

小Matthew年满7岁后，每年夏天都会去育空陪伴父亲，美丽的大自然风光让他异常兴奋，在那里他可以非常的接近大自然~随意的漂浮在湖面、静静的坐在山顶、甚至，到一些从来没有人到过的地方。　 生活在这般原始的旷野、提升了马修保护野地的意识与灵感，他希望以这种热切的情绪，来感染并带动听者对于人文和环境有更敏感的感受。也就因为如此，马修的作品源自于自然，也有关自然，多年来他从事录音，作曲、演出与音乐制作等工作，作品从纪录育空地区翻腾的冰山，到融合中国传统音乐元素，更熟习地将收录自原野的自然声音放进作品里~即使是冰块移动的声音，人们都说他的音乐里看得到『风景』。和自然如此亲密地接触让小Matthew在不知不觉中产生了环保意识，而浸染于自然山水则让 Matthew灵性毕现，随着年龄的增长，Matthew的音乐旅程中越来越多地沾染上山林水溪之气，直到有一天，他成为彻底的环保音乐家。

1990年，25岁的Matthew发表了自己的处女作《MusicToSeeBy》，一鸣 惊人。Matthew音乐中表达出的冰山、湖水等育空风景令听众有直观之感，Matthew也凭此获得育空杰出人士的荣誉。此后的4年时间里， Matthew一口气发表了《InSoManyWords》（无以言尽）、《VoyagetoParadise》（天堂之旅）、 《TouchingtheEarth》（感受大地）以及《CaribouCommons》（驯鹿宣言）等四张作品。这些作品一脉相承地展现了 Matthew的音乐思想。其中，前三张专辑还是在表达自然风景，而第四张《CaribouCommons》则标志着Matthew音乐道路的突破，它与 接下来的《BleedingWolves》一起，成为Matthew的经典之作。

1994年，Matthew凭借单曲“BleedingWolves”拿到了极光奖“最佳原 创音乐奖”，1995年，他又获得极光奖四项提名，并拿到“杰出音乐创作奖”和“音乐类杰出个人奖”，可谓硕果累累。Matthew并不光做自己的音乐， 1993年，他担任专辑《LouiseProfeit－LeBlanc》（原住民故事）的制作人，同年他还制作了北极及加拿大运动会专辑 《LifeCycle》。1994年，为《YukonGold》（育空之金）配乐制作等。

1997年，已经名扬天下的Matthew来到中国，探访东方文化的神韵。这一年，他与中国 音乐家们共同探讨音乐，还研究了一些他过去从未听过的东方古乐器。散发神秘魅力的古乐器令他如痴如醉，并迅速把这些成果运用到他的新专辑 《Confluence》（汇流）中去。中国乐器的造型简单，取材于大自然，有着宽广的音域、动人的音色。Matthew灵感突发，把他原本陌生的亚洲乐 器与已经烂熟于胸的西方乐器巧妙融合，令《Confluence》相当特别。《Confluence》完全摒除了电子合成乐器，而是用大量的东西方乐器营 造出最真实的画面。Matthew用中国二胡与提琴呼应，用中国唢呐与萨克斯风搭配，用箫与爱尔兰笛应和，用琵琶与班纠琴融合，搭配出天衣无缝的整体效 果。

《Confluence》的录音工程浩大，有多达50多人参与录音，最后还由混音大师BernieGrundman进行制作，使之成为Matthew 音乐生涯里的又一高峰。

Matthew的音乐虽然被人们称为是环保音乐却有别于“激进”，他只是把手中的乐器幻化为 摄像机，真实地记录下自然的各个角度，然后作为记录片播放出来。重视“呈现”而不是“说服”，是Matthew音乐“世界观”层次上的特立独行，也正因 此，人们受到的震撼反而越大：所以，马修的音乐里没有语言、文化、地域的隔阂，只有尊重、交流与融合。 使听Matthew的音乐变得轻松起来。随着时代的发展， Matthew所倡导的环保概念正越发深入人心，而他的音乐正像窖藏的美酒，愈久弥香。


【Ginkgo Garden 银杏花苑】

银杏，是目前已知地 球上最早的树种，早在2亿5000万年前的侏罗纪时代就已经扎根于太古世界之中，有活化石之称。银杏树的生命力极之顽强，在日本广岛长崎的原子弹灾灭之 后，是最先重现大地的植物，而且毫无受辐射影响的变异情形，实在令人啧啧称奇。正因如此，在日本银杏被誉为“希望的使者”。银杏的扇形对称的叶子，由于其 叶子边缘分裂为二而叶柄处又合并为一的奇特形状，又被视作“调和的象征”，寓意着“一和二”、“阴和阳”、“生和死”、“春和秋”等等万事万物对立统一的 和谐特质。银杏叶子也可以看作心型，所以又可以看成爱情的象征，寄予两个相爱的人最后结合为一的祝福。

德国的伟大诗人歌德(Johann Wolfgang von Goethe)深深地被银杏的特质所触动，于1815年9月15日凭诗寄意，写下了短诗“Ginkgo Biloba”，作为向其爱人Marianne von Willemer示爱的礼物。而1993年，同样来自德国的新世纪音乐家Eddy F. Mueller也以银杏为主题，为我们献上一趟绝妙的音乐之旅。

Mueller早在70年代 就活跃于德国哈根，曾在Pegasus, Mandrake, Nena("99 Luftballons")等数个乐队中担任吉他、键盘及风琴的演奏。累积了相当丰富的音乐经验后，他于80年代创立了自己的音乐工作室Birdy，其后 以Birdy的名义发行过11张专辑(包括LP及CD)，并参与过逾2000部电影、电视及录像带的音乐制作，成为德国该行业中的佼佼者。1993年， Mueller从一部德国纪录片中获得了灵感，并请他的好友——日本女油画家Atsuko Kato为他的专辑绘画封面，由此完成了第一张以Ginkgo Garden之名发行的专辑。而3年后Ginkgo Garden的第二张专辑面世，迅速成为大热。

Mueller以其独一无二的和谐之音征服了无数乐迷的耳朵，成为炙手可热的New Age音乐家。


【Kevin Kern 凯文•科恩】

KEVIN KERN，出生在底特律，不可思议在出生18个月的时候，开始练弹钢琴。四岁时候，开始在一个私人指导老师的教授下学习弦乐和古钢琴。然后，14岁时候，做了职业的首次演出，并且与其他伙伴成立了一个小乐团。他在底特律交响乐钢琴家Mischa Kottler指导下学习 ,并且上了密歇根大学的音乐系。受其钢琴类主席罗伯特•赫德指导。

凯文与著名的钢琴家 Jaki Byard，乔治•鲁塞尔，弗雷德•赫斯奇和威廉•托马斯•麦金利一起学习。在毕业以后，他在波士顿生活工作了 10 年。在1990年 ，凯文搬到旧金山，并且开始了表演。此时，凯文开创了他自己的钢琴流派，以钢琴为主体演绎音乐的心情和旋律，并且越发技艺成熟和浓厚。此时，凯文完全傲立于钢琴演绎的顶峰！

那种从心底触动灵魂感官的钢琴音乐，澄清剔透……

他珍爱今生的钢琴，散发出活跃、引人深省的聆赏魅力，即使是在极弱到几乎无声的乐段，依然洋溢出无法言喻的深刻情感。凯文科恩以《In the Enchanted Garden（绿色花园）》一篇，在当时开启了新世纪钢琴前所未有的「田园派」风格，在浓浓的青草香气中，你彷佛能呼吸到充满透明感的空气，满满蕴含自然生命力。专辑的录音相当细腻讲究，钢琴的高音呈现出晶莹亮丽的质感，音场动态宽阔、层次分明，每个音符都让你心神悸动，这不仅是凯文柯恩跨入乐坛的个人成名作，也是新世纪钢琴史上最重要的十张专辑之一。

他的前三张畅销专集《In the Enchanted Garden》、《Summer Daydreams》、《Beyond the Sundial》在全球销售皆已突破金唱片，张张皆为行家指定收藏的新世纪名盘。


【Gregorian 格林高利合唱团】
　
Gregorian是由12位浸淫于教堂音乐与合声风格，拥有深厚古典基础，并在英国伦敦乐界有一定地位的演唱家所组成。其制作人Frank Peterson曾是Enigma的一员，知名作品有很多：如Enigma的和，Sarah Brightman的等等。正因如此，我们常常可以在他们的作品中听到与Enigma如出一辙的配器和编曲，而Sarah Brightman更是数次在作品中献声，为专辑平添几分光彩。

在此有必要介绍一下所谓的"Gregorian Chant"。这是在罗马天主教会的正式礼拜仪式中所唱的圣歌，起源于中世纪的罗马天主教会。当时有位教宗叫格林高利一世（Gregorius Magnus，任职期间公元590~604），他曾将这些圣歌编辑成册，因此后世人称其为“格林高利圣歌”。Gregorian Chant具有以下特征：歌词全是拉丁文，是无伴奏、无和声的单一旋律线，节奏非常自由，采用不同于“大小调系统”的调式音阶，同时还具有客观的、非个人 的与超世俗的性质。这种圣歌音乐与礼拜仪式密不可分，它们可算是“功能性的音乐”，亦即具有特殊功用的音乐，不具娱乐价值。它们主要旨在表达歌词的宗教内 涵，而不注重官能美感或情感诉求。但有趣的是，中世纪许多俗乐与民谣却改编自格林高利圣歌的曲调。

圣乐对中世纪的欧洲人而言，与日常生活息息相关。当时，社区的每一份子都必须参加宗教聚会，并在聚会中唱圣歌。天主 教的主要礼拜仪式有两种：“弥撒”与“日课经文”，格林高利圣歌就是应用在这两种天主教的礼仪歌曲。例如，弥撒常用部分的歌曲包括或、或、、或、，在中世 纪时都是用格林高利圣歌来吟唱。因此一般民众对于格林高利圣歌的熟悉程度就如同今日一般民众对于本地流行歌曲的熟悉程度。


【Era 创世纪】

Era，英文原意为“时代、世纪”，可译为“创世纪”，是一个风格与Gregorian（格林高利合唱团）接近的音乐团体，其灵魂人物是法国音乐家Eric Levi。关于Eric Levi，我们所知的确实不多，甚至也只在Era的作品中见过他的名字。而且他也不属于高产型的音乐家。Era至今为止仅发行过3张专辑，分别是1998年的《Era》、2001年的《EraⅡ》以及2003年刚刚发行的《The Mass》。发行数量并不多，但都是颇受欢迎的作品。Era系列几张作品获得的成功反响，为他与日俱增的名气奠定了优厚的基础。

如果说Gregorian是在Enigma第一张专辑的音乐风格基础上强化格林高利圣歌和宗教元素而发展出来的，那么同样也可以说Era是借鉴与继承了 Enigma、Deep Forest、Gregorian等名家的成功元素并加以进化创新而生的。总体来看，Era与Gregorian两者的音乐类型都是圣歌与现代器乐的融 合，甚至乍听起来，还颇为相似。不过学习并非罪，刻板模仿才是可耻的，毕竟不是每个人都能如Enigma那样能开一派之先河的。如前所说，Era本来就是 对前人成功经验的继承和发展，关键在于比以前是否有所突破和变化。而经过市场考验的结果是上，Era成功了。

比起Gregorian全男班的阵容（Sarah Brightman的献声毕竟是少数），Era无论在和声还是领唱上，都加重了女声的成分，因而整体风格都显得更柔和、更温暖。我觉得Gregorian 的歌声像高居圣坛之上的肃穆之歌，多少有点儿“可远观而不可亵玩焉”；而Era的则更人性化，像是就在我们身边的平民歌声。这里并无任何褒贬之分，纯粹只 是我个人感觉上的不同罢了。而且由于女声的加重，Era的声部明显比Gregorian来得更丰富，而且女声领唱的戏分更重了。此外，Gregorian 很注重乐曲的整体氛围的营造，而Era的曲子旋律性更强，很易上口，感觉上更流行化一些吧。这也许正是Era成功的秘诀之一。


【Medwyn Goodall 梅德温•古奥】

新世纪音乐天才Medwyn Goodall生于英国肯沃郡。在这个美丽的乡下他度过了他的童年。平时他喜欢猫，喜欢科幻片，吃素。Medwyn Goodall自他家乡肯沃郡的工作室开始，便投身于通过音乐来表现大自然的壮丽和秀美。

Medwyn精通各类乐器，但最擅长演奏吉他。这里还有一段小插曲，60年代，但是十一岁的Medwyn得到了他的第一把吉他。这是他遇到了当时英国著名的流行乐手Cliff Richard, 他不断鼓励小Medwyn从事音乐事业，这为他后来的成功打下了坚实的基础。

最广为新世纪爱好者熟知的世界Newage榜冠军大碟《女巫医》就是出自这位大师之手。该碟乐曲运用南美轻松节奏、直笛吹奏、键盘及敲击乐器演出天籁之音， 闭上眼可以现象出一副热带雨林的奇异景色，百听不厌！”

Medwyn的音乐旋律优美，富于表现力，给人以激情。它的作品中不仅有描写南美安第斯风情的，如“女巫医”；又有描绘美洲印第安部落的，如“守护神”，“鹰的精神”；还有崇尚大自然的，如“海豚”等。这些作品把人的精神带入了崇高的境界，远离世俗的喧嚣。Medwyn Goodall:从在Cornwall的乡下的家中和工作时里开始Medwyn Goodall把全部的精力放在了通过音乐来表现大自然的美丽和灵秀。虽然他的主要工具就是吉他，但是他还可以演奏许多种其他的乐器，就是*着吉他，他发展了一种独特的音乐类型 - 旋律优美,富于表现力 -既使人心静如水，又让人富于激情。

梅得温如是说：“我的音乐是使人们减轻压力并放松精神，它具备某种精神和你心灵深处的灵感，它具有震动的音调，不猛烈的节奏。我的音乐是与其说是我的创造，不如说是对灵魂的洗涤。我不想让人们睡觉而是让他们进入一个他们能做任何事情的梦境；鼓励他们发挥他们自己的创造力。”

毫无疑问，他做到了，而且做得如此出色


【James Horner詹姆斯．霍纳】

提起James Horner大家可能不很熟悉，但提起电影《铁达尼号》相信几乎人人皆知了吧。是的，《铁达尼号》史诗般的音乐就是出自James Horner之手。

James Horner（詹姆斯．霍纳），1953年8月14日生于美国洛杉矶。5岁开始学钢琴，早年曾就读与赫赫有名的英国皇家音乐学院、加州大学洛杉矶分校及南加州大学。在南加州大学获得学士学位后，又继续攻读获得音乐作曲硕士和博士学位。毕业后Horner在南加州大学教授音乐理论，获得了一个来自美国电影学院为The Dronght一片作曲的机会，Horner很快喜欢上了电影作曲，在受雇于Roger Corman的New World Pictures公司之前还写过几部电影配乐作品，这都是他早期的电影配乐作品，另外他还为,,这些业绩不佳的电影创作音乐，但是他的配乐手法的日益成熟渐渐为好莱坞的配乐权威所注意。他应邀为配乐，于是他的事业开始走向辉煌。

从踏入影视创作领域至今，素以其唯美华丽、充满诗意的配乐风格在乐坛独树一帜。

“我是个爱尔兰音乐的追随者，我喜爱它的忧郁的气息和永恒的品质，我和其他作曲家不同，因为我不把音乐看作是一种工作，而把他看成艺术。”

在十多年时间内，Horner成为乐界Fans的论战的中心，他的风格和技巧一次又一次地遭到质疑，以致他很快成为好莱坞最易识别的作曲家之一。他为所作的配乐使之飙升为国际巨星，虽然他强调自己对名气不感兴趣，但是那并不影响他在其事业中的专业发展眼光。

Horner的事业仍就年轻，但是却在风格上有些显著变化，八十年代早期，Horner为主与几位天才的音乐家一起用电子合成器创作了一种富有创造性和 革新意义的音乐，承,,和，他们相信把管弦乐和电子音乐合为一体是一种未来配乐发展必然趋势，事实也证明有不少拥护者在追随这种刚刚起步的潮流。

不论这些争议多么激烈，Horner在80年代中期开始改变他的作曲范畴。1985年的作品Cocoon提示Horner开始完全使用弦乐，到1988年，虽然还在Vibes和Red Heat中运用了电子合成器乐，但Horner已完成了他第一次的两部大型弦乐作品：Willow和The Land Before Time，这两部作品对新式乐器的兴趣和完全的弦乐以及流行电影谱曲的机会融为一体。

1989年，Horner因<光荣>一片荣获葛莱美大奖，而先前为动画片《美国鼠谭》谱写的歌曲“Somewhere Out There”不仅使他获得奥斯卡和金球奖提名，更是勇获该年度葛莱美“最佳歌曲”和“最佳电影插曲”双料大奖。

Horner继极富有经验的配乐家Jerry Goldsmith，又一个在90年代早期通过无数小电影迅速崛起。他成为儿童电影的专业配乐者，但同时也为一些电影创作了一些更精致，有力的作品。

从1995年起，Horner以《燃情岁月>,<勇者之心>,《阿波罗十三号》等一系列风格迥异的电影配乐建立其创作领域的霸主地位。

两年之后,他为史诗巨片《铁达尼号》创作的音乐不仅使他在奥斯卡奖上满载而归，更为该片夺得“年度最佳”立下汗马功劳,由此，James Horner已理所当然成为当今乐坛最炙手可热的王牌电影配乐大师.


【Joe Hisaishi 久石让】

久石让（JOE HISAISHI）是谁？天~如果阁下不知道的话，那我看我们还是换种方式再开始好了……

提起久石让，宫崎骏迷一定不会陌生，因为只要你留意每部宫氏电影的开头或结尾，就会看见这个名字——音乐：久石让。在你为动画中曲折的情节、宏大的场景、精细的制作而感叹时，是否同时亦被出色的音乐而迷倒呢？

久石让，1950生于日本的长野，是日本最多产，同时也是最具影响力的现代音乐艺人之一。在长达二十年的傲人音乐生涯中，他担任作曲、制作、编曲和演奏 等多项工作。久石曾为超过二十部电影担任配乐工作，并曾四度赢得日本电影金像奖最佳电影配乐奖。他还从1992年起连续三年获得日本最高电影音乐大赏， 1999年又第四次获得此奖。他还为许多电视连续剧以及数不清的电视广告制作配乐。这位以独特的极简风格着称的钢琴兼键盘手曾出版超过20张以上的畅销个 人专辑，每张都是数一数二的佳作，可谓硕果累累！

久石让早年曾就读于日本国立音乐学院，修习作曲。1982年，久石让在毕业的同时推出了他的 第一张个人音乐作品专辑。1983年，经人介绍，久石让结识了宫崎骏，此时宫崎骏正致力于《风之谷》的创作。听过久石让创作的[风之谷]的印象音乐后，宫 崎骏被深深打动了。此后影片公映后更证实了宫崎骏的眼光，久石让为该片创作的配乐深深地打动了无数的观众以及评论人。因此次年宫崎骏的"GHIBLI(吉 卜力)"工作室后，久石让便一直担当宫崎骏动画的音乐监督至今。

久石让是一个非常活跃的音乐创作人。如今，久石让不但是宫崎骏的音乐代言人，更与北野武渐成黄金组合，创作了《宁静的海》、《Kids Return～坏孩子的天空》、《花火》、《菊次郎的夏天》等佳作。 此外的配乐大作还包括：动画电影《阿里安》、《机器人嘉年华》，《仔鹿物语》、《水之旅人》、《寄生前夜》等等。在日本，久石让早已是闻名遐迩的资深音乐人。1998年，久石让 更获邀担任日本冬季长野残疾人奥运会的音乐制作总监，如此重要的任务可说是对他在音乐界大师级地位的莫大肯定。


【Kitaro 喜多郎】

喜多郎是当今最著名三位的“新世纪”音乐家之一。1953年出生在日本一个信奉神道教的农民家庭。他没有接受过专门的音乐课程。完全*自己的感觉和天赋创作和演奏音乐。 喜多郎说：“我从来没有受过音乐教育，也从来没有上过什么音乐课，所以我的创作灵感完全来自 大自然。”他使用电子合成器来表达音乐，因为“我可以用合成器创造海洋、冬天的海岸、夏天海滩上的全部景色”。而评论家也把这种乐器制作的音乐称为“心灵 音乐”。喜多郎正是利用了合成器的巨大威力创作音乐，表达自己的情感。自第一张唱片《星际旅行》发行以来，他已经出道整整二十年。最近出版了第二十四张专辑《MANDALA》。近年旅居美国纽约。 1997至1998年在全世界超过100个城市进行第四次巡回演出。

最初接触喜多郎的音乐，是他的《丝绸之路》。喜多郎的音乐被划入“新世纪音乐”的行列，也许因为他以电子合成器为演奏器具。　他使用电子合成器，因为“我可以用合成器创造海洋、冬天的海岸、夏天的海滩上的全部景色”。而视像评论家也把这种乐器制作的音乐成为"心灵音乐"。喜多郎正是利用了合成器的多功能和巨大威力创作音乐，表达自己的情感。作为他的音乐的爱好者，最初我感到疑惑：使用现代化科技的电子产品，与音乐中推重的尊重大自然、回归大自然的情感似有矛盾。现在觉得这其实只是表现的手段，并不影响其音乐内涵的表达。而很多时候喜多郎又不完全依赖合成器，而尽量使用自然的声调。例如笛声，鼓声，海浪声等都不是用合成器制作的。

喜多郎的作品覆盖很多的方面。描写大自然的，包括《丝绸之路》、《敦煌》等；充满宗教色彩的《MANDALA》；记叙神话故事的，如《古事记（KOJIKI）》；电影电视音乐，如《宋家皇朝》，早期的《天与地（HEAVEN AND EARTH）》等。对这么多种题材的音乐作曲家都有不俗的表现，可以看出喜多郎的文化修养、音乐素质造诣颇高。
是情感塑造了喜多郎和他的音乐。触及心灵的乐章将流芳百世。


【Suzanne Ciani 苏珊•希雅妮】

享誉全球的New Age女键盘音乐家苏珊•希雅妮，六岁时迷上了萧邦等的古典音乐作品而开始学钢琴，一路接受科班训练教育，最后取得加州大学柏克莱分校作曲硕士学位。

真心喜爱音乐、和坚持好音乐的人，才有可能不断地创造出动人的旋律。苏珊•希雅妮的琴音中，充满了她对音乐的挚爱与执着，所以显得富有感情、清丽而脱俗。尘嚣纷扰，岁岁年年之后，她的音乐仍然保有柔美而纯净的线条，说是女性的敏感纤细也好；说是对人性情感的眷恋与坚持也好，苏珊•希雅妮的琴音，既动听，也动人。

苏珊在1982年发行她的个人首张专辑「爱欲之潮」（Seven Waves）。至今已拥有十张的个人演奏专辑、个人激光视盘、CF及电视配乐、乐谱册，并获得四次葛莱美奖提名，同时更是Billboard排行榜上「新世纪音乐」（New Age）的常胜军。

这些荣誉无法完全代表聆听苏珊。希雅妮音乐的感动。苏珊的音乐创作融合了古典的技巧，并以现代钢琴的表现诠释出简单、轻盈的音乐空间感，彷佛跟大自然合为一气，无限延伸人类的感性想象。

早期苏珊的创作有着浓郁的电子风格，除了因为她曾与电子合成乐的开山祖师Don Buchla工作外，她并为自己设计了一款名为Buchla的电子合成乐器，往后十年她便以这台机械 做为她重要的创作乐器。而她的个人首张专辑「Seven Waves 」也成为早期电子乐的代表性作品之一。

第二张专辑「爱的速率」（The Velocity of Love），苏珊与因电影「火战车」而获得1981年最佳电影配乐奖，并以专辑「南极物语」而在全球拥有高知名度的新世纪音乐电影配乐大师范吉利思 （Vangelis）共同合作演奏。这次的合作机会让他们二人私底下成了无话不说的好友，并且也让此专辑有了极佳的销售成绩。

专辑中的同名主打曲＜爱的速率＞成为苏珊最脍炙人口的代表作品。此外，专辑更登上了美国著名的新成人抒情电台（New Adult Contemporary）的点播排行榜。

1985年，苏珊开始与Private Music唱片公司合作，在这个阶段她总共发行了五张专辑，并屡获葛莱美奖的提名，透过BMG唱片公司的发行，使全球乐迷更加了解她。合作数年之后，苏珊 亟思转变，她开始想参与自己专辑的录制工作，于是她结束了跟唱片公司的合作关系，搬至北加州，放弃电子合成乐的创作，重拾古典音乐的精神。 　

苏珊与乔组了一家名为Seventh Waves的公司，在1994年发行了「琴梦」（Dream Suite）专辑，这张专辑是她首度尝试与大型管弦乐团合作。 爱情滋润与幸福归宿的安全感更使得她的创作泉源毫不枯竭，这在她成婚立业后发表的首张专辑《琴梦》中，引入CD-Extra交互式多媒体光盘技术可以证明。这张专辑苏珊找了大姊玛莉担任计算机画、油画等效果的制作，无论视觉或听觉上都带给人们幸福温馨的感受。身为意大利移民地三代的她，偏爱沛沛•罗密欧、帕可•迪鲁西亚的音乐与意大利歌曲。她自承作品中有许多灵感来自于海洋和异国风情﹙荷兰、意大利、西班牙﹚，浪漫感性的浓厚拉丁色彩在她作品中随处可见，创作媒介则从早期的电子音乐延伸到自然乐器、管弦乐。她的《奇幻世界》《月光旅站》、《琴梦》、《低语轻诉》等专辑四度获得葛莱美奖提名。

她被美国乐坛喻为「…自然，纯净，彷佛是潜意识里最向往的温柔」。苏珊的音乐创作表达出她个人独有的成熟、创新风格，最难得的是：自她发行首张个人专辑至今十六年来，她的音乐始终富有情感，而不是充满匠气的表现。典雅唯美的钢琴，与新世纪电子合成音乐（New Age）之间，原本很可能会是一种妥协的关系，但苏珊•希雅妮却将二者完美结合，虽然音质旋律变化无穷，而音乐表情却是控制自如，因为对音乐的深刻体认，使得她能善用这样的语言，去述说女人对感情的无限依恋，同时维持一种纯净自然的生命情怀。将情感升华，很舒服，很甜美，彷佛灵魂洗涤后的空明澄澈。

「我的音乐是绝对追寻自然，因而它可以超乎国界，跨越种族、文化的藩篱。」用苏珊对自己音乐的诠释作结尾。我们期待以她的琴声翱翔天地之间.


【Chris Spheeris】

雕像一样的英俊脸庞，浓密的长发，彰显坚韧意志的落腮胡髭，这就是丰神俊朗的Chris Spheeris。浪漫而潇洒的绅士，英俊的面 容后面是一位杰出的音乐作曲家和演奏家。从小多才多艺的他，八岁就能在画布上画抽象画，十一岁开始尝试写诗，十二岁便抱着他自己的吉他为其写歌，到了十五 岁他开始将其诗作谱上曲韵后，正式开创了他的作曲生涯。
后来在70年代末80年代初，他遇见了另一个吉他手Paul Voudouris，之后便开始学习其他的乐器，比如键盘和贝司等。1985年他和著名的哥伦比亚唱片公司签约，并推出了个人第一张专辑，并由此开始他的 辉煌生涯。其实，Chris Spheeris已浸淫New Age乐界达十年之久，只因缺乏跨国唱片公司集团作有计划的密集宣传，才会在知名度上逊于其他音乐家。

他的音乐也和相貌一样出色。Chris Spheeris前期的重要专辑都是在Essence这家主要以New Age音乐为主打的公司录制，和键盘手Paul Voudouris合作的两盘专辑《Europa》《Enchantment》被奉为New Age音乐的发烧天碟。不过真正代表Chris Spheeris的颠峰作品是1990他在CBS发行的《Desires of the Heart》，专辑中的10首曲子将Chris Spheeris出神入化的吉他演奏技艺和指法表现得淋漓尽致，纯净透彻，旋律优雅，美轮美奂的意境令人叹为观止。让人心欣喜的是Chris Spheeris的创作一直保持在一个相当高的水准之上，他似乎始终不紧不慢的按着既有的节奏走在自己的轨道上，不象Yanni在井喷似的创作后，后期的专辑似乎走入一个瓶颈状态，特别是1999年四张唱片张张寒碜。

Chris Spheeris的音乐主要以吉他和键盘为核心乐器，相比Yanni的钢琴和电子合成器来说，在那种适合现场的大气磅礴的音乐气氛的营造上确实要薄弱一点，但更显轻快平和，象天边的那一抹微云，悠远而自在。听他的音乐就象在中世纪的一个欧洲小镇的清晨漫步，行人稀少，不见车马，随着音符没有起点也没有终点地走着，一切都显得那么明净而古老。

但就音乐的质感而言，他重现爱琴海滨历史氛围的功力 可说无人能及。由于受东正教和古老的希腊爱琴海文明的影响，Chris Spheeris的创作不时地传递出一种历史的厚重感和宗教音乐特有的神秘气韵。Chris Spheeris爱好旅行，对世界各地的民间传统器乐也很感兴趣，这点越来越多地反映在他后期的唱片制作中，在配器上他甚至使用到了中东和北非的弦乐器，呈现出一派平沙浅草、落日孤城的旷远而神秘的音乐氛围。也难怪他的专辑名称总是从探索人类心灵活动或怀想古文明风采的角 度出发了。

他轻车熟路的驾驭着希腊古典美态的音乐，同时给这种迷人的音乐灌入了各种世界音乐、古典音乐和民间音乐，从而产生了属于他自己的音乐，一片由吉他和钢琴为主乐器，以柔慢而稳定的节奏来演绎的浪漫，轻缓却没有丝毫拖沓和迷废的音乐空间。听他的音乐是一种休闲和回忆的享受，更给与我们一种的全新的安逸享受氛围！Chris Spheeris目前共推出过12张专辑，在AMG All Music上也获得了甚高的评价。

本贴由[天才笨笨]最后编辑于: 29日/3月/2006 8时27分23秒
ZT From www.6park.com
作者: 况也     时间: 2006-5-18 16:49
谢谢太阳文摘介绍, 我也正想对NEW AGE 音乐有所了解, 留下慢慢读, 标榜NEW AGE的音乐现在是铺天盖地, 反而让人不知所从而不去碰了.
作者: thesunlover     时间: 2006-5-18 17:01
你应该不会后悔的。

如此多音乐家中，我只比较熟悉 Enigma 和 Yanni ( Enya somewhat)，都是我现代音乐的最爱。

哪位了解其它的请来谈谈。
作者: 兰若     时间: 2006-5-18 23:19
我听过“格林高利合唱团”，很别致，把Beatles的东东以格林高利的风格唱出来，大家可以试试。。。。这种review很好啊，多多贴。。。
作者: 风信子     时间: 2006-5-18 23:58
我很喜欢恩雅，她的CD我基本上都有。第一次听她的歌，是Caribbean Blue。她的声音有如天籁，又充满了蓝色的忧郁，极其摄人心魂。
作者: 兰若     时间: 2006-5-19 00:21
不过就我听过的New age Music 来说，我不是很喜欢。。我觉得很多是形式上很美很精致，不过有点空。。。。听着感觉很好，就是听完容易忘，没有一下刻进心里的感觉，做背景音乐不错。。。象森林物语，Medwyn Goodall，甚至包括雅尼恩雅，。。。我都不能太融入，格里高里那个也是玩炫的，听着好玩而已，要说真让我有什么震撼的，还是Enigma 。。。完全是个人观点。。。。
作者: thesunlover     时间: 2006-5-19 15:24
Enigma 高居我自己排行榜的首位。

我听流行音乐的方法是：先听，找到什么就听什么，一般是借助于收音机，或者无
意在任何地方听到的。如果对某乐曲、歌曲、歌手的感觉很好，再去寻找她们的名
字。

这样做，不受任何评论、名气、排行榜左右，完全靠自己的耳朵。我那LIST就是这
样建立起来的。

这次要反其道而行之一次，根据这两篇介绍文章，按图索骥去找来听。



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